1400 - 1900-talen · oljemålningar
De 100 mest kända vertikala målningarna
Hundra målningar där höjden bygger upp en närvaro: porträtt, stående figurer, heliga visioner och upprättstående landskap, från Van Eyck och Leonardo till Munch, Kahlo och Pollock.
Sammanfattning av verk
- Mona Lisa
- Flickan med pärlörhänge
- Arnolfini-makarna
- Meninas
- Ropet
- Resenären överväger ett hav av moln
- Marats död
- Amerikansk gotik
- Whistlejacka
- Bonaparte korsar den store Sankt Bernard
- Fru
- Självporträtt med halsband av taggar och kolibri
- Saturnus slukar ett av sina barn
- Judith halshugger Holofernes
- Självporträtt med päls
- Mjölkjungfrun
- Porträtt av doktor Gachet
- Pinkie
- Porträtt av Lady Agnew av Lochnaw
- Den blå pojken
- Självporträtt i allegori över målning
- Suzanne och de gamla männen
- Den skrattande ryttaren
- Emile Zola
- Judith I
- Röda Eiffeltornet
- Den magiska cirkeln
- Solrosor
- Caféterrass på kvällen
- Den gule Kristus
- Blå häst I
- Cirkusen
- Guldfisk
- Fifre
- Självporträtt med stråhatt
- Carmencita
- Madame Moitessier
- Pojken i röda västen
- Den gröna strålen
- Självporträtt i gul väst
- Den vackra Angela
- Harmoni i grått och grönt: Miss Cicely Alexander
- Porträtt av en kardinal
- Karl V till häst i Mühlberg
- Gaspar de Guzman, greve-hertig av Olivares, till häst
- Den rosa blusen
- Ung kvinna i gul klänning (Renée Modot)
- Quappi i blått
- Balkongen
- Paraplyer
- Dans i Bougival
- Dans på landet
- Dans i staden
- Treenigheten
- Pärlan
- Jungfrun av klipporna
- Ecce Homo
- David och Goliat
- Allegori om Venus triumf
- Orfeus
- Lyckohjulet
- Venus födelse
- Circe Invidiosa
- Ophélie vid dammkanten
- Saint Eulalia
- Psyke som öppnar den gyllene lådan
- Damen av Shalott tittar på Lancelot
- Den obefläckade avlelsen
- Scener från Scio-massakrerna
- Judith och Holofernes
- Herdarnas tillbedjan, känd som Natten
- Madeleinen med den rykande lågan
- Fönstret öppet, Collioure
- Mystisk kvinnas huvud på röd bakgrund
- Komposition nr VI (blå fasad)
- Skimrande ämne
- Påsken och Totem
- Full Fathom Five
- Självporträtt.Mellan klockan och sängen
- Den vita hästen
- Apollo-tanken
- Akhtyrka, röda kyrkan
- Dansklassen
- På ett café, sa L'Absinthe
- The Star /Dancer på scen
- Konsten att måla
- Konserten
- Flickan med glaset vin
- Kvinnor i trädgården
- Rue Montorgueil, i Paris. Festival den 30 juni 1878
- Kvinna med parasoll vänd åt höger
- Kvinna med paraply vänt vänster
- Camille Monet (1847-1879) i Argentieu-trädgården
- Kritklippor på ön Rügen
- Kvinna vid ett fönster
- Kyrkan Auvers-sur-Oise, sedd från absiden
- Nocturne i blått och guld - Old Bridge of Battersea
- Kyrkan Moret efter regnet
- Maria i La Granja
- Apelsinplockarna
Höjd som språk
Höjd förändrar hur du ser ut
Ett vertikalt format är inte bara för att föra in en kropp i en ram.Det kan förvandla en person till ett monument, ta upp arkitektur, föra ett ansikte närmare eller leda blicken från marken till himlen.Från Mona Lisa till Skriet skapar denna höjd en nästan fysisk relation med figuren.
Rutten samlar porträtt, religiösa scener, symbolistiska visioner och landskap som verkligen är konstruerade vertikalt. De mest erkända mästerverken öppnar besöket; följande varianter visar hur sex århundraden av målning använde samma impuls för att berätta historien om makt, ensamhet, rörelse, tro eller enkel närvaro.
Det vertikala formatet för målningen närmare mänsklig kroppsbyggnad och uppmanar sedan konstnären att omvandla denna likhet till arkitektur.
Kroppen ger omedelbar skala; pose, kostym och bakgrund avgör sedan om denna höjd verkar högtidlig, ömtålig eller rörlig.
Dörr, pelare, fasad eller fönster leder blicken och gör att flera djup kan staplas i ett trångt utrymme.
Religiöst och mytologiskt måleri distribuerar ofta berättelsen från jord till himmel, från fallet till uppenbarelsen.
När mönstret försvinner förblir höjden aktiv: platta områden, droppar och tecken organiseras där som stigande krafter.
100 målningar där höjden bygger ögat
Redaktionell rangordningSilhuetter som blivit universella
De tjugo absoluta vertikala ikonerna
Verken i urvalet
Leonardo da Vinci
Mona Lisa
Leonardo arbetade länge med detta porträtt som allmänt identifierades med Lisa Gherardini och vann i Frankrike i slutet av sitt liv. Sfumato förbinder leendet, ansiktet och landskapet utan hårda konturer. Stulen från Louvren 1911 hittades sedan två år senare, Mona Lisa blev en världskändis som hennes ringa storlek absolut inte hade meddelat.
Johannes Vermeer
Flickan med pärlörhänge
Vermeer målar en ung kvinna vänd mot ljuset, klädd i turban och klädd i en krullning som fokuserar ögat Det är förmodligen inte ett beställnings porträtt men en "tronie", en studie av karaktär och kostym. Återställd och populariserad på 1900-talet, blev hon en global ikon vars pärla i sig kanske inte är något annat än en lysande penseldrag.
Jan van Eyck
Arnolfini-makarna
Van Eyck daterar och signerar 1434 denna Brygge-interiör där Giovanni Arnolfini och en kvinna står framför en röd säng. Den konvexa spegeln reflekterar två andra personer och signaturen säger att målaren "var här". Äktenskap, förlovning eller åminnelse: den exakta innebörden förblir omdiskuterad, medan den lilla hunden heroiskt förblir tyst.
Diego Velazquez
Meninas
Velazquez representerar sig själv i arbete i ett stort rum i Alcazar i Madrid, omgiven av Infanta Marguerite, hennes anhängare och hovet.Kungen och drottningen dyker upp i backspegeln.Målat 1656 förvandlar verket det kungliga porträttet till en undersökning av blicken: vem poserar, vem observerar och vem håller verkligen scenen?
Edvard Munch
Ropet
Munch säger att han kände "ett stort, oändligt rop genom naturen" under en promenad ovanför Oslo.I den målade versionen från 1893 böljar himlen med fjorden och ansiktet tills den förvandlar landskapet till en fysisk sensation De två vandrare fortsätter dock på sin väg, en nästan komisk detalj då universum bakom dem verkar ha förlorat all återhållsamhet.
Caspar david friedrich
Resenären överväger ett hav av moln
Friedrich placerar en man med ryggen mot toppen av en klippa, vänd mot ett hav av dimma som döljer dalarna Målning omkring 1818, målningen kombinerar erövring av toppen och omöjligheten att förstå allt. Det vertikala formatet höjer figuren, men landskapet överträffar det fortfarande; resenären dominerar utsikten bara för att molnen har artigheten att hålla sig lägre.
Jacques-Louis David
Marats död
David målar Marat mördad i sitt badkar 1793 och förvandlar sin revolutionära vän till en modern martyr Charlotte Cordays brev, kniv och trälåda ersätter gamla attribut Kroppen går ner i vertikal sammansättning medan tomma rymden isolerar den; politisk propaganda här uppnår en nykterhet som gör mord närmare.
Grant Wood
Amerikansk gotik
Grant Wood hämtar inspiration från ett hus i Iowa med ett nygotiskt fönster och låter sin syster posera med sin tandläkare. Gaffeln tar upp raderna av overaller, skjortor och arkitektur. Paret presenterades 1930 och lästes som satir eller hyllning till Mellanvästern; han fann det aldrig nödvändigt att bestämma sig med ett leende.
George Stubbs
Whistlejacka
Stubbs målade kapplöpningshästen Whistlejacket i naturlig storlek omkring 1762, utan ryttare eller berättande miljö. Djuret reser sig på en neutral bakgrund som gör varje muskel och reflektion av kappan synlig. På uppdrag av markisen av Rockingham höjer målningen ett hästporträtt till monumentets rang; sällan har en modell ockuperat duken så mycket utan att bära det minsta klädesplagg.
Jacques-Louis David
Bonaparte korsar den store Sankt Bernard
David producerade flera versioner av Bonaparte som korsade Alperna från 1800.Generalen, som faktiskt passerade på en mula, dök upp på en springande häst och pekade på toppen, nära namnen på Hannibal och Karl den Store. Den heroiska diagonalen dokumenterar inte resan: den konstruerar legenden med en mycket säker känsla för reklamväder.
John Singer Sargent
Fru
Sargent målar Virginie Gautreau i profil, i en svart klänning med en rem som ursprungligen föll på hennes axel. Presenterad på salongen 1884 utlöste denna fräckhet en skandal; målaren målade om remmen och lämnade snart Paris. Den vertikala siluetten förblir av formidabel elegans, som om det världsliga ryktet hade bestämt sig för att stå helt rakt under eld från kritiker.
Frida Kahlo
Självporträtt med halsband av taggar och kolibri
Frida Kahlo representerar sig själv 1940 framför betraktaren, omgiven av ett halsband av törnen, en kolibri, en apa och en svart katt Symbolerna blandar fysisk smärta, mexikanska traditioner och personliga band utan att reduceras till en enda förklaring Ansiktet förblir orörligt i mitten, medan allt runt omkring verkar förbereda sig för ett mycket mindre fridfullt samtal.
Francisco de Goya
Saturnus slukar ett av sina barn
Goya målar verk idag som kallas Black Paintings direkt på väggarna i sitt hus. Saturnus, av rädsla för att bli avsatt, slukar en kropp i en nästan tom natt; stora ögon ersätter all mytologisk storhet. Överförd till duk på 1800-talet förblir bilden en av de mest brutala visionerna av makt som förvandlats till panik.
Artemisia Gentileschi
Judith halshugger Holofernes
Artemisia Gentileschi målar Judith och hennes tjänare som behärskar Holofernes med fysiskt våld som sällan tillerkänns ämnet. Vapnen, svärdet och lakanen bildar en handlingsknut i dukens höjd.Hjältinnan är varken dekorativ eller tveksam: den bibliska berättelsen blir ett svårt verk, utfört med en koncentration som generalen borde ha tagit på större allvar.
Albrecht Durer
Självporträtt med päls
Dürer avbildade sig 1500 frontalt, vid tjugoåtta års ålder, i en pose som påminner om bilder av Kristus Pälsen, håret och handen är målade med spektakulär precision, men inskriptionen betonar också skapelseakten Konstnären gör alltså anspråk på en hög intellektuell status; hans blick söker inte godkännande, han verkar redan ha fått det.
Johannes Vermeer
Mjölkjungfrun
Vermeer visar en tjänare som häller mjölk i ett tyst kök. Brödet, korgen och väggen bär ett litet ljus, medan gesten avbryter tiden. Målad runt 1658 -1660, höjer scenen vanligt hushållsarbete utan att göra det teatraliskt; mjölkens rännil åstadkommer all handling och spiller inte ens en droppe.
Vincent van Gogh
Porträtt av doktor Gachet
I Auvers-sur-Oise målade Van Gogh doktor Gachet lutad på handen nära en fingerborgsblomma, en växt kopplad till hans medicinska verksamhet Målaren känner i denna melankoli igen en stämning nära hans egen Framställd några veckor före sin död gav porträttet läkaren ett trött ansikte, som om vård och oro delade samma stol.
Thomas Lawrence
Pinkie
Lawrence målade Sarah Goodin Barrett Moulton, runt elva år gammal, kort efter ankomsten till England från Jamaica Vinden blåser upp hennes rosa klänning och ger porträttet skalan av en uppenbarelse.Med smeknamnet Pinkie långt efter dess tillkomst blev målningen den populära motsvarigheten till The Blue Boy i USA, hängande i samma samling.
John Singer Sargent
Porträtt av Lady Agnew av Lochnaw
Sargent placerar Gertrude Agnew i en kinesisk sidenfåtölj, lätt lutad mot betraktaren. Den vita klänningen tar emot syrenreflektionerna av väggen och bältet, medan den direkta blicken undviker all automatisk artighet. Utställd på Royal Academy 1893 lanserade porträttet modellens kändisskap och bekräftade målarens.
Thomas Gainsborough
Den blå pojken
Gainsborough målade Jonathan Buttall omkring 1770 i en satinblå kostym inspirerad av 1600-talet Porträttet svarade på debatten om blås förmåga att dominera en komposition, inför teorier som tillskrivs Reynolds. Senare förvärvad av Henry Huntington, The Blue Boy kombinerar aristokratisk bravader och textilvirtuositet; modellen låter tydligt satin tala först.
Kroppen som mått på ramen
Fullängdsporträtt, figurer och vertikala närvaro
Artemisia Gentileschi
Självporträtt i allegori över målning
Artemisia skildrar sig själv måleri och anammar samtidigt måleriets allegori feminina attribut En manlig konstnär kunde inte så bokstavligt ha slagit ihop sitt självporträtt med denna personifiering Den lutande kroppen och den upphöjda armen visar verket i handling: konstnärlig härlighet kommer här med upprullade ärmar.
Artemisia Gentileschi
Suzanne och de gamla männen
Målad vid sjutton, vägrar denna Suzanne den självbelåtna ton som ofta ges till det bibliska ämnet. Kroppen vänder sig fysiskt bort från de två männen som lutar sig över väggen, och oro organiserar hela den vertikala kompositionen. Artemisia placerar upplevelsen av den hotade kvinnan i centrum av berättelsen, där andra versioner föredrog att beundra hennes bad.
Frans Hals
Den skrattande ryttaren
Denne rikt klädda unge man är nog ingen ryttare och skrattar inte högt, men smeknamnet fastnat Hals animerar mustasch, krage, broderi och ärm med en snabb touch som ger porträttet omedelbart självförtroende Daterat 1624 förvandlar det en social pose till ett livligt möte; modellen verkar ha hört en utmärkt kommentar utanför ramen.
Édouard Manet
Emile Zola
Manet tackar Zola för att han försvarade sin målning genom att avbilda den i en studie fylld med bilder. Ett japanskt tryck, en reproduktion av Olympia och ett porträtt av Velazquez komponerar ett visuellt manifest kring författaren. Zola läser seriöst; bakom honom diskuterar verken redan moderniteten mycket fritt.
Gustav Klimt
Judith I
Klimt målade Judith omkring 1901 och blandade den bibliska hjältinnan med wienererotik Holofernes huvud visar sig endast delvis i nedre kanten, medan ansiktet, halsbandet och guldet dominerar Judith ser inte ut som ett offer räddat ur tjänst: hon antar sin seger med en försäkran som oroar sig nog för att hon ibland förväxlades med Salomé.
Robert Delaunay
Röda Eiffeltornet
Delaunay målar Eiffeltornet rött och lutar det mellan byggnader, moln och stadsfragment Byggd för världsutställningen 1889 blir strukturen under hans pensel den mobila symbolen för ett modernt Paris.Det vertikala formatet förlänger dess uppstigning, men kubistiska planer vägrar låta det stå som ett enkelt arkitektoniskt fotografi.
John william waterhouse
Den magiska cirkeln
Waterhouse ställde ut Den magiska cirkeln på Royal Academy 1886.En magiker drar en skottlinje runt henne medan rök, kråkor och kittel installerar en exakt rit.Det vertikala formatet följer hennes kropp och den upphöjda pinnen; utmärkt säkerhetsåtgärd när man arbetar med icke samarbetsvilliga ingredienser.
Vincent van Gogh
Solrosor
Van Gogh målade flera vaser med solrosor i Arles 1888 avsedda att dekorera Gauguins rum Blommorna visar olika åldrar, från knoppen till det vissna huvudet, i ett nästan helt gult område Denna målade gästfrihet kommer att överleva bättre än de två konstnärernas samlevnad, som inte precis kommer att förbli känd för sitt inhemska lugn.
Vincent van Gogh
Caféterrass på kvällen
Van Gogh målade den upplysta terrassen på ett café i Arles 1888 under en stjärnhimmel Gasens gula kontrasterar mot det djupblå utan att använda svart för natten Perspektivet drar in ögat på gatan medan kunderna förblir små; staden verkar välkomnande, även om varje stol verkar ha placerats av en mycket bestämd diagonal.
Paul Gauguin
Den gule Kristus
I Pont-Aven 1889 transponerade Gauguin ett polykromt krucifix från kapellet Trémalo till ett bretonskt landskap Kristi gula kropp sticker ut mellan de vita huvudbonaderna och höstfälten Heliga, lokala liv och platta syntetiker möts: även säsongen deltar nu i den religiösa berättelsen.
Franz Marc
Blå häst I
Franz Marc målade Blå häst I 1911, vilket gav djuret en andlig snarare än naturalistisk färg Den böjda kroppen är inskriven i kullarna som en levande form bland andra Hästen upptar nästan hela höjden, lugn och monumental; blått uttrycker en inre strävan efter Marc, inte ett särskilt sällsynt veterinärproblem.
Georges Seurat
Cirkusen
Seurat arbetade på Cirkus 1890 -1891 och lämnade målningen ofullbordad när han dog. Godsägaren, akrobaten och clownen är organiserade av upprepade kurvor, medan de gula medvetet väcker perception. Skådespelet verkar snabbt, men varje färgpunkt påminner oss om att denna hastighet byggdes med nästan orimligt tålamod.
Henri Matisse
Guldfisk
Matisse målade Guldfisken 1912 efter sin resa till Marocko, där han länge iakttog nöjet att begrunda bassängerna Burken, bordet, balkongen och växterna vägrar en enda synvinkel Fisken blir fasta punkter i detta mobila utrymme, ett litet ansvar för fyra djur som förmodligen bara hade bett om lite vatten.
Édouard Manet
Fifre
Manet målade en ung musiker från det kejserliga gardet 1866 mot en nästan tom bakgrund Den klara siluetten, de röda byxorna och frånvaron av djup påminner om japanska tryck och Velazquez. Le Fifre vägrades av salongen och blev ett manifest för modernt måleri; pojken kanske spelar musik, men målningen sätter framför allt tonen.
Élisabeth Vigée Le Brun
Självporträtt med stråhatt
Vigée Le Brun målade detta självporträtt 1782 efter att ha beundrat Rubens porträtt av Susanna Lunden.Halmhatten, blommorna och det naturliga ljuset bejakar både elegans och bildmästeri Hon visar sig med palett och penslar, en erkänd konstnär snarare än en enkel charmig dam; leendet följer med yrket istället för att ersätta det.
John Singer Sargent
Carmencita
Sargent skildrar den spanska dansaren Carmencita omkring 1890 i en ljusbroderad klänning som förstärker hennes scennärvaro. Den vertikala kroppen, armarna och blicken reflekterar en artist som är van vid att befalla rymden. Porträttet ansågs ibland provocerande; Carmencita verkar inte upprörd och har helt klart andra åskådare att erövra.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Madame Moitessier
Ingres målade Madame Moitessier sittande 1856, efter många års arbete och en första stående version Spegeln upprepar sin profil medan den blommiga klänningen upptar en stor del av ytan.Världslig elegans blir motivarkitektur; posen framstår som naturlig bara för att målaren tog tillräckligt med tid att dölja alla ansträngningar.
Paul Cezanne
Pojken i röda västen
Cézanne målade den unge Michelangelo di Rosa i flera poser mellan 1888 och 1890.Den röda västen kontrasterar sin varma massa med de blå och gröna, medan den lutande kroppen ger porträttet en tyst spänning.Planerna konstruerar figuren snarare än jämnar ut den; pojken poserar, men varje färg verkar utföra sin egen reflektion.
Henri Matisse
Den gröna strålen
På Salon d'Automne 1905 blev porträttet av Amélie Matisse ett av fauvismens emblem Det gröna bandet delar ansiktet utan att beskriva en naturlig skugga: det balanserar grannrötterna, rosa och blått Matisse förvandlade sin fru till ett kromatiskt manifest med en ekonomi av medel som fick besökarna att prata mycket.
Egon Schiele
Självporträtt i gul väst
Schiele avbildade sig 1914 i gul väst, kroppen tunn och ansiktet vänt trotsigt De nervösa konturerna och områdena som lämnats nakna hindrar det livliga plagget från att bli världsligt Konstnären gör sin siluett till en nästan skärande figur, i en tid då Europa förbereder sig för att förlora mycket mer än sitt goda uppförande.
Höj berättelsen
Heliga berättelser, myter och dramer från ovan
Paul Gauguin
Den vackra Angela
Gauguin målade Marie-Angélique Satre 1889 efter att hon kritiserat honom för ett föga smickrande första porträtt Ansiktet framträder i en cirkel, bredvid en statyett och en titel inskriven som i en populär bild La Belle Angèle sammanför en verklig person, bretonsk identitet och en symbolistisk anordning; modellen, sägs det, var fortfarande inte helt övertygad.
James Abbott McNeill Whistler
Harmoni i grått och grönt: Miss Cicely Alexander
Whistler målar den unge Cicely Alexander stående i profil i en harmoni av grått och grönt Hatten, klänningen och mattan behandlas som färgglada ackord samt sociala tecken De talrika sessionerna tröttade ut modellen; den perfekta återhållsamheten i resultatet döljer därför en satsning av tålamod som musiktiteln artigt utelämnar.
Raphael
Porträtt av en kardinal
Rafael målade denna kardinal i Rom omkring 1510 -1511, utan att hans identitet idag var säkerställd Plaggets röda, den mörka bakgrunden och det något vända ansiktet ger figuren en återhållsam auktoritet Ingen accessoar återger i detalj dess funktion: blickens skärning och kompositionens ekonomi räcker för att etablera makt.
Tizian
Karl V till häst i Mühlberg
Tizian firar Karl V: s seger vid Mühlberg 1548.Kejsaren avancerar till häst, beväpnad med ett spjut, men kvällslandskapet ersätter slagets tumult Porträttet kombinerar militärt kommando och nästan heligt majestät; hästen bidrar i hög grad till visuell diplomati genom att upprätthålla en lugnare attityd än Europas historia.
Diego Velazquez
Gaspar de Guzman, greve-hertig av Olivares, till häst
Velazquez målar greve-hertigen av Olivares på en springande häst, vänd mot slagfältet. Filip IV:s favorit får ministern en bild som vanligtvis är reserverad för suveränen. Stickans diagonal och hästen animerar dukens höjd; politisk makt avancerar här i galopp, innan dess förmögenhet plötsligt saktar ner.
Amedeo Modigliani
Den rosa blusen
Modigliani målade Den rosa blusen 1919, under de sista åren av sitt liv Plagget som mjukgjorts av ockra stabiliserar bysten under ett avlångt ansikte, medan bakgrunden förblir nästan bar Modellen behåller en lugn närvaro, utan världslig dekor eller anekdot; färgen räcker för att ge porträttet dess återhållsamma värme.
Amedeo Modigliani
Ung kvinna i gul klänning (Renée Modot)
Modigliani föreställer Renée Modot i södra Frankrike, där hennes palett ljusnar Den gula klänningen ramar in ett långt ansikte med lugna ögon framför en bar bakgrund Identiteten beror på halsens hållning och rytm snarare än på accessoarerna; det vertikala formatet förlänger denna sköra elegans utan att överdriva den.
Max Beckmann
Quappi i blått
Max Beckmann målar Quappi, sin andra hustru Mathilde, i en blå klänning och en pose som är både världslig och avlägsen De tjocka konturerna och det trånga utrymmet vägrar mjukheten i vardagsrumsporträttet Det välbekanta smeknamnet förringar inte modellens auktoritet; hon verkar veta exakt platsen för varje blick och inte ge upp en tum.
Édouard Manet
Balkongen
Manet sammanför Berthe Morisot, Fanny Claus och Antoine Guillemet på en balkong, åtskilda från betraktaren av en grön balustrad.Presenterad 1869 intrigerar scenen av frånvaron av handling och avståndet mellan figurerna Balkongen öppnas utåt, men alla verkar låsta i sina egna tankar; vacker arkitektur, mer osäker kommunikation.
Pierre-Auguste Renoir
Paraplyer
Renoir arbetade på Les Parapluies under flera år och modifierade kläderna när modet förändrades. Den parisiska publiken kurar ihop sig i ett nästan osynligt regn, mellan kvinnan i korgen och barnen. Det vertikala formatet accentuerar staplingen av kroppar och accessoarer; ingen blir blöt, men alla förhandlar häftigt om några centimeter trottoar.
Pierre-Auguste Renoir
Dans i Bougival
Renoir målade Suzanne Valadon dansande med Paul Lhote i Bougival 1883.Den röda klänningen vänder sig mot träden och bollborden, medan ansiktena förblir nära.Scenen kombinerar porträtt, rörelse och modern fritid; dansen verkar spontan, men kompositionen vet exakt var man ska ta varje steg.
Pierre-Auguste Renoir
Dans på landet
I Dancing in the Country poserar Renoir Aline Charigot med Paul Lhote Den fallna hatten, duken och de varma färgerna ger paret en glädjefylld närhet. Designat med versionerna av staden och Bougival jämför verket flera sociala världar med samma gest; valsen fungerar här som ett utmärkt utredningsverktyg.
Pierre-Auguste Renoir
Dans i staden
Dancing in the City visar Paul Lhote och Suzanne Valadon i en kallare elegans än de andra danserna från 1883. Den vita klänningen drar en lång vertikal och reducerar dekoren till några världsliga tecken. Rörelsen förblir innesluten av etiketten; vi dansar, förvisso, men med den mycket tydliga medvetenhet som vardagsrummet observerar.
El Greco
Treenigheten
El Greco målade Treenigheten till altartavlan av Santo Domingo el Antiguo i Toledo.Gud stöder Kristi kropp under duvan, omgiven av änglar vars färger stiger i ett smalt utrymme.Det vertikala formatet förvandlar kroppens nedstigning till andlig upphöjning; smärta och härlighet delar exakt samma axel.
Raphael
Pärlan
Rafael komponerar Pärlan runt Jungfrun, Barnet, Sankt Johannes och Sankt Elisabet Smeknamnet kommer från Filip IV, som ansåg den vara pärlan i sin samling Gester cirkulerar i en mycket stabil pyramidarkitektur; även barn, även om de är upptagna med ett viktigt bibliskt möte, respekterar beundransvärt geometrin.
Leonardo da Vinci
Jungfrun av klipporna
Leonardo målar en grotta där Jungfrun, de båda barnen och ängeln är förbundna med gester och blickar Två versioner finns kvar, i Louvren och London, med skillnader i attribut och behandling Den vertikala sammansättningen lägger figurer, stenar och vatten över varandra utan att skilja natur och heligt åt; geologin får nästan lika mycket uppmärksamhet som teologin.
Caravaggio
Ecce Homo
Caravaggio visar Kristus presenterad för folkmassan efter sin piskning, omgiven av figurer packade i skuggorna. Ljuset skär ut kroppen och koncentrerar våldet på gesterna snarare än på en stor miljö. Formatet för betraktaren närmare fången; omöjligt att gå vilse i arkitekturen när orättvisan redan står i centrum.
Caravaggio
David och Goliat
Caravaggio målar David med Goliats huvud och ger det halshuggna ansiktet sina egna drag Den unge vinnaren triumferar inte: hans uttryck blandar medkänsla och trötthet. Insett i slutet av målarens liv lästes bilden ofta som en begäran om förlåtelse; sällan har ett självporträtt valt en så uppriktigt sagt obekväm plats.
Bronzino
Allegori om Venus triumf
Bronzino sammanför Venus, Amor, Tiden och flera allegoriska figurer i ett medvetet tvetydigt rum Kropparna slingrar sig vertikalt medan masker, frukter och gester komplicerar varje enkel moralisk läsning. Erbjudet till Frans I, var arbetet att blända såväl som instruera; flera århundraden senare fortsätter det framför allt att bevisa att kärlek kan kräva en mycket detaljerad legend.
Gustave Moreau
Orfeus
Moreau målar Orfeus som samlar poetens huvud på sin lyra efter hans mord av maenaderna. Den unga kvinnan, det klippiga landskapet och det heliga föremålet komponerar en symbolistisk meditation snarare än en blodig scen. Huvudet fortsätter att sjunga enligt myten; betydande narrativ fördel, även om situationen fortfarande är svår att rekommendera till en musiker.
Ett autonomt kraftfält
Den moderna vertikalen: färg, rytm och abstraktion
Edward Burne-Jones
Lyckohjulet
Burne-Jones visar figurer som drivs av ett gigantiskt hjul under skenet av Fortune.Kung, slav och poet delar samma rörelse, en påminnelse om att ödet inte respekterar titlar.Det vertikala formatet får kroppar att stiga och falla i obönhörlig mekanik; Fortune förblir stilla, vilket alltid är lättare när du håller veven.
William Bouguereau
Venus födelse
Bouguereau ställde ut Venus födelse på salongen 1879 i en komposition inspirerad av Rafael och antiken Gudinnan står på ett skal omgivet av nymfer, vattensalamander och amoriner Höjden accentuerar hans utseende och all akademisk virtuositet hos målaren, som uppenbarligen inte hade planerat en blygsam välkomstkommitté.
John william waterhouse
Circe Invidiosa
Waterhouse målar Circe som häller gift i vattnet för att förvandla Scylla, hennes rival. Den stående figuren upptar nästan hela höjden, omgiven av blått och grönt som gör magin lika flytande som den hotar. Vasen lutar graciöst; mytologin påminner oss ändå om att en elegant gest inte nödvändigtvis förbättrar ens avsikter.
John william waterhouse
Ophélie vid dammkanten
Waterhouse återvänder flera gånger till Ophelia, Shakespeares hjältinna förknippad med blommor och vatten. Här närmar hon sig dammen före katastrofen, fortfarande stående i ett lysande landskap. Trädens och kroppens vertikalitet fördröjer åskådarens kända fall; målningen ger den några extra minuter, vilket redan är generösare än pjäsen.
John william waterhouse
Saint Eulalia
Waterhouse ställde ut Saint Eulalia 1885 och valde efterdyningarna av martyrdöden snarare än dess spektakulära handling. Det unga helgonets kropp vilar i snön, under duvor och nära en avlägsen folkmassa. Den vertikala kompositionen följer kroppen och gatan, vilket gör våldet mer oroande utan att behöva lägga till någon bödel i förgrunden.
John william waterhouse
Psyke som öppnar den gyllene lådan
Psyche öppnar den förbjudna lådan som hämtas från helvetet och släpper sömnen som övervinner henne. Waterhouse väljer nyfikenhetens ögonblick före konsekvensen, i en noggrant konstruerad gammal interiör. Den lutande figuren och den gyllene lådan organiserar höjden; myten bekräftar en gammal regel: mystisk förpackning förtjänar ibland att förbli stängd.
John william waterhouse
Damen av Shalott tittar på Lancelot
Waterhouse föreställer Lady of Shalott när hon tittar på Lancelot och utlöser förbannelsen som Tennysons dikt tillkännager. Figuren står upp nära fönstret och vävstolen, upphängd mellan konsten och den verkliga världen. Det vertikala formatet förstärker denna uppenbarelse; några sekunders blick räcker för att vända upp och ner på ett anmärkningsvärt välorganiserat liv.
Giovanni Battista Tiepolo
Den obefläckade avlelsen
Tiepolo målade den obefläckade avlelsen för kyrkan i Aranjuez omkring 1767 -1769 Jungfrun reser sig över halvmånen, ormen och änglarna i en uppåtgående rörelse Det långa altarformatet förvandlar läran till en ljusshow; ormen, placerad allra längst ner, får den minst avundsvärda men tydligaste rollen i kompositionen.
Eugene Delacroix
Scener från Scio-massakrerna
1824 avslöjade Delacroix de grekiska familjerna i Chios i väntan på död eller slaveri efter den osmanska massakern Grupperna klättrar upp på duken medan landskapet avslöjar våldet i fjärran Verket chockerar med frånvaron av segerrika hjältar; det vertikala formatet ackumulerar kroppar utan att erbjuda dem det bekväma resultatet av en patriotisk slutsats.
Francisco de Goya
Judith och Holofernes
Goya målar Judith som höjer sitt svärd inför Holofernes i en av de svarta målningarna i hennes hus. Den bibliska berättelsen reduceras till två figurer, ett hårt ljus och en nästan platslös bakgrund. Judith firas inte med heroisk dekor; handlingen är koncentrerad till höjden, mellan det bestämda ansiktet och offret som redan kastats i skuggorna.
Correggio
Herdarnas tillbedjan, känd som Natten
Correggio målar Herdarnas tillbedjan runt ett ljus som verkar utgå från barnet Figurerna böjer sig, går tillbaka eller skyddar sina ögon, medan änglarna öppnar den övre delen. Målningen, med smeknamnet Natt, förvandlar en födelse till en lysande upplevelse; gudomlig belysning drar nytta av en iscensättning som inget ljus kunde ha förhandlat fram ensamt.
Georges de La Tour
Madeleinen med den rykande lågan
Georges de La Tour visar Madeleine meditera framför en låga vars rök knappt stiger. Skallen, spegeln och lampan påminner om tidens bräcklighet, men tystnaden dominerar varje symbol. Höjden följer ansiktet, händerna och ljuset; scenen kräver ingen rörelse, bara tålamodet att se ett ljus utföra betydande filosofiskt arbete.
Henri Matisse
Fönstret öppet, Collioure
Målat i Collioure under sommaren 1905, är detta lilla fönster ett av fauvismens grundverk Hamnen reduceras till master och bländande inslag, medan ramen förbinder rummet med det yttre ljuset Matisse kopierar inte platsens färger: han ökar dem tills han tar in Medelhavet utan att fråga om lov.
Alexej von Jawlensky
Mystisk kvinnas huvud på röd bakgrund
Jawlensky förenklar gradvis ansiktet tills det blir en modern ikon. Detta mystiska huvud är konstruerat av några mörka linjer och röda fält som ersätter traditionell modellering. Det vertikala formatet förstärker frontaliteten; social identitet försvinner till förmån för en meditativ närvaro, som om porträttet hade stängt dörren för att pladdra.
Piet Mondrian
Komposition nr VI (blå fasad)
Mondrian målar denna blå fasad i ett skede där arkitekturen blir ett nätverk av linjer, fönster och färgglada planer Byggnaden förblir märkbar men förlorar gradvis sitt djup Fasadens faktiska vertikalitet ger målaren en nästan abstrakt struktur; staden gör därför en del av arbetet innan Mondrian tar bort de sista detaljerna.
Jackson Pollock
Skimrande ämne
Pollock målade Shimmering Substance 1946, före de stora droppningarna, med en tät yta av gula, vita och bruna inslag Tecknen överlappar varandra utan ett tydligt identifierbart centralt mönster Det vertikala formatet sammanför detta material som en lysande vägg; ämnet gnistrar, men vägrar konsekvent att specificera vad det ska representera.
Jackson Pollock
Påsken och Totem
Påsken och Totem, målad 1953, tillhör sena verk där Pollock återinför nästan figurativa former En vertikal totem sticker ut bland linjer, färger och svarta tecken Titeln kombinerar kristen rit och antropologisk fantasi på ett mycket personligt sätt; duken liknar mindre en förklaring än en ceremoni vars program medvetet har försatts på fel plats.
Jackson Pollock
Full Fathom Five
Full Fathom Five var en av de första stora droppingarna som Pollock ställde ut 1947.Under dropparna finns spikar, delar, knappar och andra små föremål som fångats i materialet Titeln lånad från Shakespeare framkallar ett marint djup; den vertikala ytan liknar en botten upphöjd med allt han hade vägrat att återvända.
Edvard Munch
Självporträtt.Mellan klockan och sängen
Munch målade sig mellan en klocka utan händer och en säng under de sista åren av sitt liv Den stående kroppen verkar tunn i ansiktet på de två föremålen som symboliskt mäter tiden och dess slut. Verkstaden är fylld med målningar, men det vertikala formatet stramar balansräkningen runt mannen; även klockan valde att inte säga tiden.
Paul Gauguin
Den vita hästen
Gauguin målade en vit häst som 1898 nedstiger mot en tahitisk flod.Färgerna och formerna förvandlar det observerade landskapet, medan ryttarna i bakgrunden förlänger rörelsen Hästen korsar höjden som en uppenbarelse, men verket tillhör också den koloniala fantasi som Gauguin byggt kring ön och dess invånare.
Verlappa djupet
Fönster, trädgårdar, gator och landskap uppförda
Odilon Redon
Apollo-tanken
Redon gör Apollos vagn till en virvelvind av hästar och ljus snarare än en klok arkeologisk illustration Solguden stiger upp i ett utrymme där färgen verkar fri från vikt Det vertikala formatet ger uppstigningen all dess hastighet; hästar åstadkommer det omöjliga med en energi som vanliga transporter inte kunde ha garanterat.
Wassily Kandinsky
Akhtyrka, röda kyrkan
Kandinsky målade den röda kyrkan i Akhtyrka under åren då landskapet Murnau skiftade mot abstraktion Klocktornet, träden och vägen förenklas till starkt kontrasterande färgade massor Byggnadens vertikalitet fungerar som en pivot; byn förblir igenkännbar, men färgen börjar redan göra anspråk på sitt administrativa oberoende.
Edgar Degas
Dansklassen
Degas visar en dansklass snarare än en triumf på scenen. Eleverna väntar, repeterar eller justerar sin outfit runt mästaren Jules Perrot, medan spegeln förlänger rummet. Målningen bygger nåd från arbete och tristess; före varje berömd arabesk var det mycket tid som ägnades åt att lyssna på korrigeringarna.
Edgar Degas
På ett café, sa L'Absinthe
Degas målar en kvinna och en man som sitter på ett parisiskt café, isolerade trots deras närhet Absint, utanför mitten inramning och tomma bord ger scenen ett nästan fotografiskt avstånd Den kvinnliga modellen var skådespelerskan Ellen Andrée; målningen anklagades för moraliskt förfall, som om en stilldrink kunde sammanfatta en hel stad.
Edgar Degas
The Star /Dancer på scen
Degas placerar huvuddansaren under scenljuset, sett från en hög låda. Buketten, tutun och den vertikala rörelsen kontrasterar mot de andra artisternas skurna silhuetter. Stjärnan framstår ensam i centrum för framgången, men en man i svart väntar bakom kulisserna; den offentliga nåden behåller alltså en mycket konkret social skugga.
Johannes Vermeer
Konsten att måla
Vermeer målar en konstnär bakifrån framför sin modell utklädd till Clio, historiens musa.Kartan över Nederländerna, ljuskronan och gardinen förvandlar verkstaden till en reflektion över måleri och minne.Bevarat av målaren fram till sin död bekräftar verket tyst yrkets ambition; modellen poserar, men Historien övervakar redan resultatet.
Johannes Vermeer
Konserten
Konserten visar tre musiker i en lugn interiör, nära målningar som lägger till andra berättelser till scenen. Stulen från Isabella Stewart Gardner Museum 1990, verket förblir ospårbart. Denna frånvaro har förstärkt dess berömmelse utan att förbättra dess tillgänglighet; den målade musiken fortsätter därför i ett rum som ingen vet hur man lokaliserar.
Johannes Vermeer
Flickan med glaset vin
Vermeer placerar en ung kvinna som håller ett glas nära en man och ett halvöppet fönster. Det målade glasfönstret, duken och ansiktena antyder en scen av förförelse vars resultat förblir obestämt. Det vertikala formatet för samman karaktärerna men löser ingenting; vin cirkulerar lättare än avsikter.
Claude Monet
Kvinnor i trädgården
Monet målade fyra kvinnor i det fria i trädgården i Ville-d'Avray 1866 -1867, med Camille som förebild för flera figurer Den monumentala duken sänks ner i ett dike för att han ska kunna arbeta på höjden. Det vertikala formatet förvandlar trädgården till en scen i naturlig storlek; impressionismen kräver här lika mycket markarbeten som ljus.
Claude Monet
Rue Montorgueil, i Paris. Festival den 30 juni 1878
Monet målade rue Montorgueil dekorerad med flaggor den 30 juni 1878, dagen för en nationell helgdag som anordnades under världsutställningen Sett från en balkong blir flaggflödet en vibration av rött, blått och vitt ovanför folkmassan Höjden störtar betraktaren in i staden utan att berätta ett officiellt tal; Paris förvandlas till en kollektiv rörelse.
Claude Monet
Kvinna med parasoll vänd åt höger
Monet målade Suzanne Hoschedé 1886 på Givernys ängar, sett från en låg vinkel under ett paraply Vinden lutar gräset och slöjan medan himlen upptar nästan hela duken Porträttet bleknar inför känslan av ett lysande ögonblick, fångat tillräckligt snabbt för att molnen inte ska hinna ändra uppfattning.
Claude Monet
Kvinna med paraply vänt vänster
Denna andra Kvinna med Paraplyet vrider modellen åt vänster och komponerar helt om vinden, molnen och ljuset Monet designar de två målningarna som variationer snarare än psykologiska porträtt Det vertikala formatet ger himlen en monumental plats; en enkel orientering räcker för att visa att vädret aldrig exakt upprepar sin pose.
Claude Monet
Camille Monet (1847-1879) i Argentieu-trädgården
Monet föreställer Camille i Argenteuilträdgården, bland blommor och filtrerat ljus Den vertikala figuren integreras i trädgården utan att förlora sin släktnärvaro.Målat före Camilles tidiga död 1879 bär verket idag på en retrospektiv intimitet som ljusfärgen troligen ännu inte sökt tillkännage.
Caspar david friedrich
Kritklippor på ön Rügen
Friedrich målade omkring 1818 ett par som betraktade Rügens kritklippor genom böjda träd Det centrala tomrummet mynnar ut mot havet medan figurerna klänger, knäböjer eller ser ut Det sublima landskapet är inget enkelt panorama; även den naturliga miljön verkar påminna besökarna om att ett sidosteg skulle vara en mycket dålig idé.
Caspar david friedrich
Kvinna vid ett fönster
Friedrich visar en kvinna bakifrån som tittar på masterna på Elbe från sin studio i Dresden. Avsatsen, luckorna och klänningen organiserar en tyst väntan mellan inre och yttre värld. Det vertikala formatet följer figuren och fönstret; väldigt lite händer, men hela bilden bygger på viljan att se vidare.
Vincent van Gogh
Kyrkan Auvers-sur-Oise, sedd från absiden
Van Gogh målade kyrkan Auvers i juni 1890, några veckor före sin död De böjda linjerna böljar byggnaden ovanför divergerande stigar, under en intensiv blå himmel Den monumentala kyrkan verkar varken stabil eller skyddande; runt den passerar två små vägar, som om landskapet var tveksamt till vilken riktning man skulle ta.
James Abbott McNeill Whistler
Nocturne i blått och guld - Old Bridge of Battersea
Whistler målar den gamla Battersea Bridge som en mörk siluett framför blå och guld ljus och reflektioner Inspirerad av japanska tryck, föredrar han färgglada ackord framför topografisk beskrivning Bron korsar höjden med nästan abstrakt enkelhet; London blir nattmusik där detaljer har fått komma in tidigt.
Alfred Sisley
Kyrkan Moret efter regnet
Sisley återvänder ofta till kyrkan Moret-sur-Loing och observerar hur dess fasad förändras i regn, sol eller frost Efter skyfallet reflekterar den fuktiga stenen ett kallt ljus medan gatan styr ögat Klocktornets vertikalitet stabiliserar den rörliga atmosfären; arkitekturen utgör under lång tid en avsevärd fördel gentemot impressionistiska moln.
Joaquin Sorolla
Maria i La Granja
Sorolla målar Maria i La Granjas trädgårdar, bland träden, stigarna och reflektionerna Familjeporträttet delar motivet med platsens ljus, som fragmenterar klädsel och lövverk Den unga kvinnan upprätthåller en tydlig närvaro utan att vara isolerad från trädgården; på Sorolla lär sig familjen själv att posera med solen.
John william waterhouse
Apelsinplockarna
Waterhouse placerar apelsinplockare i en idealiserad medelhavsträdgård. Skördegester, klänningar och frukter som distribueras i lövverket ger en narrativ struktur åt färgen. Scenen tillhör viktoriansk smak för ett dröm-Italien: jordbruksarbete, förvisso, men med kostymservice och ljus med bekväma medel.
Anatomi av ett format
Fem sätt att bebo vertikalen
Det vertikala formatet kan bära upp en mycket stabil mittaxel, men de starkaste kompositionerna undviker monotoni En arm, en arkitektonisk diagonal, en ridå eller en försvinnande linje avbryter klättringen, De laterala utrymmena spelar också en avgörande roll: de isolerar siluetten, ger luft till mönstret eller gör ramens tryck känt.
Andelen ändrar också effekten En måttlig vertikal förblir nära fönstret och passar Vermeers interiörer Ett mycket smalt format för figuren närmare kolumnen, som med Waterhouse eller Klimt. Mellan de två utnyttjar landskapsmålare och moderna konstnärer planens överlagring: golv, mönster, horisont och himmel blir fyra slag av samma läsning.
En figur eller arkitektur ger bilden dess stabilitet och gör att höjden kan mätas omedelbart.
Det skär av det uppåtgående momentumet, skapar rörelse och förhindrar att kompositionen blir symmetrisk eller fixerad.
Förgrund, centrum och övre delen organiserar en narrativ, rumslig eller lysande progression.
Tystnaden kring mönstret förstärker dess närvaro och ger ramen ett märkbart tryck.
Beröring, färg och tecken leder ögat uppåt även när ingen figur strukturerar bilden.
Porträtt, kropp, arkitektur, himmel
När kompositionen står upp
Varje målning valdes för att dess höga format verkligen bidrar till dess effekt: den förlänger en siluett, organiserar en uppstigning eller stramar scenen runt ett ansikte. Berömmelse och historisk betydelse skiljer sedan de främre raderna åt.
0 kommentarer